●聲音的性質

基本性質
　　高低
　　長短->節奏
　　強弱
　　音色
　　表情
　　　　抖音->弦樂器如小提琴, 吉他常用到
　　　　滑音->中國風拉弦樂器常用到
高低+長短變成旋律
旋律加上強弱跟表情就變成有感情的旋律

進階性質
　　Reverb
　　Delay
　　Echo
三者可以營造空間感

流行音樂用的音域約在27Hz~4100Hz之間
人耳可聽到的在20Hz~20000Hz之間

音樂是選出大家聽的最習慣，也最能表達人們生活的聲音來寫成的旋律

●音階

音階主要分為五聲音階與七聲音階

五聲音階主要是拿來寫民族風的音樂

主要在詞曲創作上用到的音階是西洋音樂的12平均律

大調大家都知道

小調分為四種：自然小調,和聲小調,旋律小調,現代小調
(晴園回答的出來實在是酷斃了)

不過流行音樂中的小調只要第一音跟第三音是小三度就是泛稱的小調了

●音程

另外Kinra在課堂上有提到的音程 我在這邊PO
反正用講的大家都會霧煞煞:P

距離0半音：完全一度
距離1半音：小二度（MI / FA）、增一度（DO / ＃DO）
距離2半音：大二度（DO / RE）、減三度（＃RE / FA）
距離3半音：小三度、增二度
距離4半音：大三度、減四度
距離5半音：完全四度
距離6半音：增四度、減五度
距離7半音：完全五度
距離8半音：小六度
距離9半音：大六度
距離10半音：小七度
距離11半音：大七度
距離12半音：完全八度

最常用的就是大三、小三、五度、七度跟八度
這幾個在和弦組成的部份也會常用到~

作者:ChannelV

前文編曲中有講到編曲的五大元素分別是

Foundation, Rhythm, PAD, Lead跟Fill

在這篇文章中會做詳細的介紹

　　○) "門神"

音樂中的門神, 指的是在音樂中最容易被聽到的部份

也是音樂風格中最突顯的一部分, 也可以說是Style的主架構

就有如在門口往內看, 會先看到門神一樣:P

擔任門神的編曲元素通常需要符合兩個條件

『音量最大』及『頻寬最寬』

讓某種元素成為"門神", 可以使用各種不同樂器疊合起來

藉以達到上述的兩種要求



　　一) Foundation(主律動)

Foundation就是表現歌曲主律動的『節奏組』

在流行音樂中通常是Bass或Drums

但也有使用鋼琴與吉他當Foundation的情形

Foundation比Rhythm的結構簡單些

Rhythm可能有很艱難的爵士鼓, Foundation較簡單

主律動與Main loop(主迴圈)的概念有些類似

並非是單指樂器的種類, 而是指構成律動的節拍位置

在各種不同的Style上, Foundation的組成可是完全不一樣

流行樂中多以Bass及Drum當作Foundation

但是如果是像Drum, Bass, Guitar的演奏方式的話

Foundation可能就只有Drum, 不過聽起來會單調許多


　　二) Rhythm(節奏)

這邊的Rhythm所指的, 就是與Foundation產生對位特性的節奏樂器

或著是不在Foundation上的點狀樂器(像鈴鼓, 沙鈴之類)

在節奏上Rhythm較Foundation複雜

主要用來增加節奏感及動感

或著增加整首曲子的情緒溫度(例如進入副歌時從過門加入鼓組)

有時候單獨只有Rhythm而沒有Foundation也能造成不錯的效果


　　三) PAD(和弦襯底)

PAD就是一個持續的長音或是和弦

狹義的PAD指的是跟著和弦而移動的樂器

可能是Organ之類的管風琴, 也可能是吹奏的銅管

在搖滾樂中電吉他的power chord

或是流行樂中的弦樂組當作PAD來使用都是不錯的選擇

PAD是最能營造音樂背景氣氛的編曲要素


　　四) Lead(主旋律)

Lead是在整首歌中最能被聽到的主旋律

當然可以是人聲, 也可以是間奏代替人聲的main line

Lead在表現上是可以多聲部的, 所有的合聲都屬於Lead的一部分

在流行樂中最常見的是二到三聲部的合音

另外有些時候可以聽到只有和弦相同的主旋律疊合在一起

這情況稱為對位旋律

在相對的情況下取得節奏與音程的平衡, 對位越多, 音樂就越複雜

這樣的範例在周杰倫的半獸人最後一段很明顯

疊合了三種主旋律


　　五)Fill(填音)

Fill通常出現在Lead的延長音或是休止符

跟Lead一樣可以是人聲也可以是樂器

也可以是爵士鼓的一段過門

在周杰倫的迷迭香裡面的Fill是爵士鋼琴

陶吉吉就比較常使用人聲當Fill

Fill是跟Lead作對話的一種表達形式

如果Fill是問句, 那Lead就是答句

Fill與Lead相同, 可以是多聲部的

也可以以對位旋律來表現


※補充

編曲的原則

大部分情形下, 三個編曲要素同時出現就可以將音樂表現的很好

這種情況下可以把一首歌詮釋的很完美並有簡單的美感

一般來說, 人的聽覺在四個以上的編曲要素時就會感到疲憊

也就是說, 盡量不要使太多編曲要素同時出現

這樣會使音樂變的很複雜(也可以利用這樣的特性做出有魄力的作品)

通常音樂最末段的時候若使用全部五個編曲要素

音樂就會變的很難結束(通常會使用Fade out, 這樣的歌蠻多的,
也有尾奏拖很久的)

如果只有Lead跟Rhythm的話就很好做Ending

作者:ChannelV

母帶處理就是把前面混音中混好的幾首歌

經過版本選擇, 歌曲排列, 音直統整等過程

最後製成母帶

在這些歌曲統整的過程中, 需要做一些聲音上的調整

例如音量的統整(你不會想下一首歌忽然變很大聲嚇到吧:P)

頻率分譜的一致化, 聲音壓縮, Limit等等

讓在專輯中的歌曲能在聽覺上比較有一致性

另外Mastering還有一項任務

就是將統整好的歌曲, 按照順序標示PQflag和索引

在pre-mastering之後就是製作一個可供量產的母帶

這就是母帶後期處理了

就是送去壓片了~Oh yeah

作者:ChannelV

混音就是把全部前面所進行的所有音樂素材融合成成品

這可不是從手牌發動一張魔法卡就能完成的重大作業

傳統的錄音室中, 需要許多昂貴的器材

除了Mixer之外還要有許多plugin效果器

然後再用很多的訊號連接線串起來(看過REASON就會懂)

但是到了數位時代這些東西全部都被整合到軟體內了

所有的混音工作都能用滑鼠來完成

因此也大大的降低了學習混音的門檻

混音的重點步驟：

　　○Balance(音量平衡)

　　○Pan(相位)

　　○EQ=Equilizer(頻率調整等化器)

　　○Dynamic(動態控制)

　　○Dimension(空間營造)

作者:ChannelV

數位音效的編輯是電腦普及化後對於傳統錄音室的最大衝擊

數位錄音效果器plug-in的發展

可以使得聲音後製充滿著無限的可能性XD

以前需要唱好幾次才能得到的結果

現在在後製中就能小幅度的修改了

像是音量的大小, 音準不準也可以調準, 音色可以調波形

因此歌手面對錄音室的態度都因為數位音效編輯而產生了重大的變革


以前歌手必須要在錄音室完成演唱的最後版本

要唱到完美需要很大的實力及耐久力

線在的歌手只要能在配唱的過程中

留下足夠的聲音

製作人及錄音師就可以透過後製跟剪接

整合出最後 最完美的超男超女

(所以現在沒實力的歌手越來越多了:P)

當然數位音效的編輯也不只造福了歌手的配唱

對於樂器或其他效果器也能有很大的貢獻

這部份在社課中應該不會教

所以想學的可以私下請教...:P

　　○Vocal Edit

　　○Audio process

　　○Mixer

　　○Reverb

作者:ChannelV

近年來電腦科技的發展使得電腦的運算功能大大提升

使在電腦上完成高品質的數位錄音變的更簡單

硬碟幾乎可以完全取代錄音室的母帶機

所以過去詞曲創作人比較陌生的錄音室空間的進入門檻的大大的降低

由於錄音器材的數位化

所有許多音樂人可以用低廉的費用執行簡單的錄音

累積home studio個人錄音室的聲音處理經驗

家裡也可以變成錄音室

像Cubase這種軟體的出現

提供了高效能的多軌錄音模式及MIDI編曲功能

加上軟體化的周邊音訊處理設備 使得錄音工作大大的普及化

然而錄音最前端的工作

仍然是需要仰賴麥克風

對於麥克風的了解也能使得錄音的品質大大提升

作者:ChannelV

編曲在唱片製程中也是很關鍵的工作

就像給美女穿上漂亮的晚禮服一樣(流口水)

選擇好的Style必須由編曲來呈現

這些style在編曲者寫好的樂器演奏中充分的表現

編曲的結果必須符合A&R的規劃方向

因此製作人需要與編曲者事先有良好的溝通

至於如何編曲...就等之後的社課吧XD

另外, 除了作曲所需的樂理知識, 還需要具備以下的知識

　　一) 了解編曲的五大要素

五大要素分別是
1) Foundation(主律動)
2) Rhythm(節奏)
3) Pad(和弦襯底)
4) Lead(主旋律)
5) Fill(填音)

歌曲中所有的樂器都分別扮演了上述的各種角色

詳細的介紹將在編曲的第一堂課中說明

對於以上五要素有充分的熟晰度

可以用最直接有效的方式學會編曲

並了解各種style的不同編曲方式

可以有效的提升編曲的效率

　　二) 音樂結構的分析

Style決定了音樂整體情緒的大方向

但聆聽過程中情緒轉折的優劣會影響作品的價值

想想看, 要是bridge很激昂的唱到了高音La

但是副歌卻是中音sol到高音mi而已

這樣的歌無論怎麼樣的聽眾都會覺得失望透頂吧

音樂結構就是主宰著這大方向下的起承轉合的情緒邊化

精采的結構可以使音樂有了故事性

讓歌曲更具可聽性

好的編曲作品必需在編曲開始前

先想好各段落的結構及與主題間的關係

正確判斷所有結構的必要性

多聽音樂的結構有助於幫我們建立明確的音樂結構的邏輯

　　三) 編曲軟體

　　四) 虛擬樂器的使用

3.音樂曲風

作者:ChannelV

音樂的曲風決定了整首歌的情緒表現

也是決定了一首歌的"情緒溫度"

同一首歌曲可以用許多不同的表現方法

進而唱出不同的感覺

(像吻別, 跟搖滾版吻別, 兩個感覺就很不一樣:P)

如果想要讓一首歌直接一點, 可以唱slow rock

如果想要婉轉一點, 可以唱R&B

如何決定style也得回到A&R的部份

你一定沒辦法想像張學友唱著重節奏的rap出場吧XD

所以這就是A&R的工作, 考慮市場及藝人的特色

來決定一首歌曲的style

如何決定歌曲的style必須具有下列知識

　　○歌曲的tempo, 並從這個tempo選出適合的風格

　　○定下key

　　○了解各種style的不同及樂器構成元素(tempo, 音色, 和聲系統,
編曲的五要素)

2.詞曲創作
作者:ChannelV

　　一) 詞曲創作扮演的角色

A&R前期的核心工作就是詞曲的徵稿(或邀歌)

製作人需要依照A&R規劃的製作方向找尋適合的作品

這是整個唱片工業中最重要的工作, 當然也是最耗時的

詞曲創作是一張唱片的靈魂

在蒐歌期間, 需要不斷的召開製作會議

篩選從四面八方來的大量Demo

在市場上參與詞曲寫作的人很多

因為寫歌其實一點都不難(嗆)

所以遇到重量級藝人發片之時, Demo的競爭就更強烈

因此如何做出好的Demo是從眾多參賽者中脫穎而出的最好方法

　　二) 詞曲創作的基礎知識

當然要寫的出好歌 必須要有一些基本的能力

從最基本的音樂元素而言, 可以分出音階, 合聲, 節奏三個元素

三個元素是不能個別展現的個體, 為了方便可以分開學習

但是音樂的呈現是三者的綜合表現, 是密不可分的

其實音階就是一種音色各種不同震盪頻率的表現

和弦就是各種不同震盪頻率而產生的共鳴

這是物理上的說明

但是還是得回到基礎的樂理上來講三度音, 大三度小三度的不同

進而了解各種和弦的性質及聽覺效果

1.A&R規劃(Artist&Reperto)

作者:ChannelV

唱片是以藝人為主體的音樂產品

唱片的歌曲必須與藝人的形象吻合

所以現今的唱片公司都有A&R部門

負責在唱片製作前期為藝人規劃適合的音樂產品

包括合乎藝人形象及時代潮流的詞曲作品

並安排適當的製作團隊

A&R的規劃常常是市場競爭力的最重要元素